Del 27 a la posguerra

Qué te va a pedir el examen

• «Cite tres características de esta generación» y «cinco poetas» del 27, o «explique las etapas» con un autor y una obra por etapa.
• «Indique a qué libro y a qué etapa pertenece este poema» y justifíquelo con rasgos de estilo citados.
• «Sitúe el fragmento en su movimiento y en la trayectoria del autor», relacionándolo con la obra y el periodo.
• «Cite dos obras» de un autor de posguerra, «dos rasgos» de una tendencia (arraigada, social, tremendismo) y «un autor y una obra» de otra.
• «Comente el tema, los símbolos o los recursos» de un fragmento con citas textuales, sin convertir el texto en pretexto para exponer teoría.

1 El 27: un grupo de amigos que junta a Góngora con el surrealismo

No es una generación con manifiesto ni una escuela: es un grupo de poetas de edad parecida, amigos entre sí, con formación universitaria, que coinciden en la Residencia de Estudiantes de Madrid y en las mismas revistas (Litoral, Revista de Occidente). El nombre viene de 1927, el tricentenario de la muerte de Góngora, que celebran con homenajes: reivindicarlo significaba defender una poesía exigente, culta y apoyada en la metáfora. Los nombres: Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Luis Cernuda, Dámaso Alonso, Emilio Prados y Manuel Altolaguirre. Cerca del grupo, las mujeres conocidas como Las Sinsombrero: Concha Méndez, Ernestina de Champourcín, Josefina de la Torre, Rosa Chacel, María Teresa León, Maruja Mallo.

El rasgo definitorio, el que se pregunta casi con esas palabras, es la síntesis entre tradición y vanguardia. Admiran a la vez a Góngora, al Romancero y a la lírica popular (cancioneros, villancicos, romances), y asimilan la imagen insólita, la metáfora audaz y el verso libre del surrealismo y de los ismos. No rompen con el pasado: lo reinterpretan. A eso se suma la influencia de Juan Ramón Jiménez y su idea de poesía pura, la de Ramón Gómez de la Serna como puente con la vanguardia, la renovación métrica (soneto y romance junto al verso libre y el versículo) y unos temas humanos permanentes: el amor, la muerte, el destino, la ciudad, la injusticia.

Si te piden tres características, lleva estas tres sin dudar: tradición más vanguardia; amistad y proyectos comunes (revistas, homenaje a Góngora); y la ruptura biográfica compartida, la Guerra Civil, que dispersa al grupo. La etiqueta de «poetas deshumanizados», tomada de Ortega, solo vale para su primera etapa, y decirlo sin matizar es un error documentado.

2 Tres etapas y los nombres en una línea

El esquema por etapas es lo que más se pregunta, y conviene aprenderlo con su lógica. Primera etapa, hasta 1927: poesía pura y neopopularismo. Bajo el influjo de Juan Ramón y de Góngora se elimina lo anecdótico y lo sentimental para quedarse con la esencia y la forma perfecta (Guillén, Cántico); y a la vez se recupera la lírica tradicional con técnica moderna: Alberti, Marinero en tierra; Lorca, Poema del cante jondo y Romancero gitano (1928). Segunda etapa, de 1927 a la Guerra Civil: irrupción del surrealismo y rehumanización. Vuelve el yo, con la angustia, el deseo y la protesta, en imagen irracional y verso libre: Lorca, Poeta en Nueva York (escrito en 1929-1930); Alberti, Sobre los ángeles; Aleixandre, La destrucción o el amor; Cernuda, Los placeres prohibidos.

Tercera etapa, desde 1936: la dispersión. Lorca es asesinado en Granada en agosto de 1936; Salinas, Guillén, Alberti, Cernuda, Prados y Altolaguirre marchan al exilio; Aleixandre y Dámaso Alonso permanecen en España, en el llamado exilio interior. Los temas cambian: la patria perdida, la nostalgia, la memoria de la infancia, el paso del tiempo (Cernuda, Desolación de la quimera; Alberti, Retornos de lo vivo lejano).

Los nombres, en una línea cada uno. Salinas, el poeta del amor, depurado de anécdota (La voz a ti debida, Razón de amor), con una primera etapa vanguardista que celebra las máquinas y los objetos modernos (Seguro azar). Guillén, el más puro e intelectual: Cántico, canto de entusiasmo ante el mundo, dentro del conjunto Aire nuestro. Gerardo Diego, tradición y creacionismo a la vez. Alberti, el más versátil: neopopularismo, surrealismo, compromiso político y exilio. Aleixandre, el más surrealista, con el amor como fuerza cósmica, Premio Nobel en 1977. Cernuda, cuya obra entera se reúne bajo un solo título, La realidad y el deseo: el conflicto entre lo que el poeta desea y lo que la realidad le permite, en cuatro etapas (inicial, surrealista, madurez, exilio). Dámaso Alonso, cronológicamente del 27, pero su libro decisivo, Hijos de la ira (1944), pertenece ya a la posguerra. Y un cruce que conviene evitar: Aleixandre y Alberti se confunden más de lo que parece.

3 Lorca: los símbolos que atraviesan su poesía y su teatro

Lorca es la gran figura del grupo, y reconocer a qué libro pertenece un poema suyo depende de marcas de estilo, no de memoria. Poema del cante jondo y Romancero gitano: neopopularismo culto, romance, mundo gitano-andaluz, el marginado perseguido por un destino que no elige, la Guardia Civil como fuerza represiva. Poeta en Nueva York: versículo largo, imaginario onírico, denuncia de la ciudad deshumanizada y de la opresión, con la inversión de los símbolos tradicionales (un amanecer que no trae esperanza). Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, la gran elegía; Diván del Tamarit y Sonetos del amor oscuro, escritos al final, con las formas de la poesía árabe y el soneto para un erotismo intenso y velado.

Su simbología es muy reconocible y se pregunta: la luna es la muerte; el agua, vida cuando corre y muerte cuando está estancada; el caballo, la pasión y el destino; los metales (puñal, navaja, cuchillo), la muerte violenta; el verde, deseo y muerte a la vez; la sangre. Al comentar, no basta con decir «hay metáforas»: cita el verso exacto y explica su efecto, y del efecto pasa a la etapa o al libro que lo justifica.

Su teatro gira sobre un mismo conflicto: el deseo o la libertad individual frente a la autoridad, la moral social y el destino trágico, casi siempre encarnado en protagonistas femeninas frustradas, con fusión de verso y prosa y fuerza lírica. La trilogía rural: Bodas de sangre (1933), la Novia huye con Leonardo el día de su boda y la pasión desemboca en la muerte; Yerma (1934), la mujer que vive la esterilidad como una condena; La casa de Bernarda Alba (1936), la obra cumbre, estrenada tras su muerte: Bernarda impone ocho años de luto a sus cinco hijas, y esa represión desencadena la tragedia de Adela, enamorada de Pepe el Romano, el prometido de Angustias, la heredera. Cada hija tiene un rol: Adela es el deseo y la rebeldía; Martirio, la envidia y la frustración; Angustias, el interés económico; la Poncia es la voz popular lúcida y María Josefa dice las verdades que nadie puede decir; Pepe nunca aparece en escena. Los símbolos: el bastón de Bernarda como poder hecho gesto, el blanco y el negro, el calor y el agua, el caballo garañón encerrado, las paredes de la casa. Y las acotaciones no son un trámite: transmiten tanto sentido como los diálogos.

4 La poesía de posguerra: arraigada, desarraigada, social y del 50

La Guerra Civil parte en dos la vida literaria: muertes (Lorca, Machado, Miguel Hernández en la cárcel en 1942), exilio de buena parte del 27 y censura para quienes se quedan. En los años 40 la poesía se divide en dos actitudes ante el mundo, y esa oposición es la clave del tema. La poesía arraigada, en torno a las revistas Escorial y Garcilaso, ve el mundo como ordenado y armónico: fe serena, patria, familia, amor, formas clásicas y sobre todo el soneto (Luis Rosales, Leopoldo Panero, Dionisio Ridruejo). La poesía desarraigada, con la revista Espadaña, vive el mundo como caos y angustia, con un Dios que calla, verso libre y lenguaje duro. Su obra clave es Hijos de la ira (1944), de Dámaso Alonso, y en ella se sitúa el primer Blas de Otero.

En los años 50 la angustia individual se convierte en denuncia colectiva: la poesía social, concebida como instrumento para transformar la sociedad, con lenguaje sencillo y coloquial. Las dos citas que la resumen: Gabriel Celaya, «la poesía es un arma cargada de futuro»; Blas de Otero, que escribe «para la inmensa mayoría», invirtiendo el «a la minoría» de Juan Ramón. Otero pasa de la angustia religiosa de Ángel fieramente humano al giro social de Pido la paz y la palabra (1955); Celaya publica Cantos iberos; José Hierro se mueve entre lo existencial y lo social, con sus «reportajes» y sus «alucinaciones».

En los años 60 reacciona la generación del 50 o del medio siglo: consideran que la denuncia directa ha empobrecido el lenguaje y vuelven a lo personal sin renunciar a la mirada crítica. Rasgos: la experiencia y la memoria como materia, la ironía y el distanciamiento, el escepticismo sobre la utilidad de la poesía y un cuidado del lenguaje aparentemente coloquial pero muy trabajado. Nombres: Ángel González, Jaime Gil de Biedma (Moralidades, el más influyente, la poesía de la experiencia), Claudio Rodríguez (Don de la ebriedad), José Ángel Valente, Francisco Brines. En paralelo corre la poesía del exilio, con la patria perdida y la nostalgia como temas: Cernuda, Alberti, Guillén, León Felipe. Y hacia 1970 llegan los novísimos, con el culturalismo y la ruptura.

5 Novela y teatro de posguerra: cada década, una obra que la inaugura

La novela se ordena por décadas y cada una tiene una obra inaugural. Años 40, novela existencial y tremendismo: Camilo José Cela, La familia de Pascual Duarte (1942), la confesión de un condenado a muerte que narra su vida de violencia; el tremendismo es esa acumulación deliberada de lo brutal y lo degradado, en primera persona y con lenguaje seco (Cela, Premio Nobel en 1989). Carmen Laforet, Nada (primer Premio Nadal, 1944; publicada en 1945): Andrea llega a una Barcelona gris de posguerra y encuentra una casa familiar asfixiante; novela existencial con el desencanto como tema. Años 50, realismo social: el novelista da testimonio de la realidad colectiva y el protagonista deja de ser individual. Cela, La colmena (1951), más de trescientos personajes en el Madrid de posguerra, estructura en secuencias, tiempo reducido, narrador que observa sin juzgar; Rafael Sánchez Ferlosio, El Jarama (1955), un domingo de jóvenes junto al río contado casi solo con diálogo, el modelo del objetivismo; Miguel Delibes, El camino (1950), la mirada nostálgica y afectuosa sobre el mundo rural castellano; Carmen Martín Gaite, Entre visillos (Premio Nadal), la vida provinciana y la falta de horizonte de las mujeres, con dos voces narrativas que alternan el diario en primera persona y la tercera persona.

Años 60 y 70, novela experimental: la denuncia directa se agota y se renueva la forma, con la influencia de Joyce, Faulkner y el boom hispanoamericano. Luis Martín-Santos, Tiempo de silencio (1962), abre la etapa: monólogo interior, narrador múltiple, lenguaje barroco mezclado con lo coloquial, ironía. Delibes, Cinco horas con Mario (1966), el monólogo de una viuda ante el cadáver de su marido; Juan Goytisolo, Señas de identidad; Juan Benet, Volverás a Región. Rasgos de la etapa: ruptura del orden cronológico, desaparición del argumento tradicional, monólogo interior, cambios de punto de vista, segunda persona narrativa. Y la novela del exilio, si te piden otra tendencia: Ramón J. Sender (Réquiem por un campesino español), Max Aub, Francisco Ayala.

El teatro sigue el mismo compás. Años 40: teatro de evasión y comedia burguesa bajo la censura, con el humor renovador de Jardiel Poncela y Miguel Mihura (Tres sombreros de copa, escrita en 1932 y estrenada en 1952). Años 50: Antonio Buero Vallejo inaugura el teatro existencial y social con Historia de una escalera (1949): tres generaciones de vecinos repiten en el mismo rellano los mismos sueños frustrados, y la escalera es el símbolo de un espacio de tránsito que no lleva a ninguna parte. Buero practica el posibilismo, criticar dentro de lo que la censura permite, frente al imposibilismo de Alfonso Sastre, que reclamaba un teatro de agitación sin concesiones: es la polémica Buero-Sastre. Otra obra clave de Buero, El tragaluz. Años 60 y 70: teatro experimental y vanguardista con Fernando Arrabal (teatro «pánico») y los grupos de teatro independiente.

Errores que restan

• Situar Poeta en Nueva York en el neopopularismo o mezclar las etapas del 27, y llamar «deshumanizado» a todo el grupo cuando eso vale solo para la primera etapa.
• Cruzar arraigada y desarraigada o atribuir Hijos de la ira a Blas de Otero: es de Dámaso Alonso, y arraigada es la del mundo con sentido, sonetos y Dios sereno.
• Meter a Gil de Biedma en la poesía social, cuando la generación del 50 es justamente la reacción contra ella.
• Citar a Cernuda con un título suelto sin mencionar que toda su obra se integra en La realidad y el deseo, o confundir a Aleixandre con Alberti.
• Al comentar un fragmento, contar el argumento entero o exponer biografía y periodo en vez de atender al texto, y citar sin comillas ni verso: se penaliza expresamente.

Autochequeo

Responde sin mirar arriba. Si fallas, mejor aquí que el día del examen: cada opción trae su porqué.